丹麦建筑公司BIG + Kollision + Schmidhuber 及合作伙伴团队携手奥迪带来关于未来城市交通生活的构想 – “URBAN FUTURE”，该项目于2011年11月30日至12月4日在 Design Miami/ 2011 上展出。


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BIG 曾在2010年由奥迪投入10万欧元发起的“城市未来奖”提出概念：在未来城市中用一个数字化的表面将街道解放出来，突破现有限制并允许公众更加灵活的使用。

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190平米LED 屏幕呈现出未来城市中一个行人与无人驾驶汽车共享的公共空间缩影。整个表面将实时输入车辆与周围环境相互影响的信息，3D摄像机则追踪行人运动，经过加工生成一系列艺术化的图像反馈到LED屏幕上。

“我们为奥迪设计的展台呈现出流动在城市中无形的力量，无人驾驶汽车依靠一系列复杂的感知和计算为依据，不断观察并演算城市中动态的空间，其结果是结构的变化并非由建筑师预先设定，而是来自展台中不断运动重组的人”
——BIG创始人 Bjarke Ingels

展台使用奥迪A2概念车作为展车，这也是该车首次在美国亮相，奥迪A2的概念是能与环境沟通，顺应未来城市交通的需求。在展台中，展车不断发出的箭头代表行驶路径，路径根据行人的位置实时产生变化。

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“我们围绕概念车创造了190平米的未来城市公共空间，可视化的行人与车辆的数字互动。行人创建出数字安全区，车辆模拟出穿行于人群中的行驶轨迹。我们相信，这种信息化的城市表面技术将会创造一个新的，真正的共享空间，就像一个公共广场。在未来的某一天，街道的功能会在完全是行人，车辆，或者甚至是休闲功能之间自由切换。”
——BIG合伙人 Andreas Klok Pedersen

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“URBAN FUTURE” FACTS

Name: Urban Future – Audi @Design Miami/
Size: 190 m2
Client: AUDI AG
Collaborators: Kollision Aarhus, Schmidhuber + Partner
Location: Miami, USA
Partners in Charge: Bjarke Ingels, Andreas Klok Pedersen
Project Leader : Martin Voelkle
Team: Daniel Kidd, Chris Malcolm, David Tao, Laura Youf, Lucian Racovitan

刚刚收到新加坡创作人 Linzy 寄来的两本创意出版品，《一点北京》与《一点心意》，关于北京的几角旮旯，一本陌生城市中的行走指南，一份写给自己的心情记录。在此特别推荐一下。

《一点北京》

60 明信片 Postcards + 1 地图 Map
双语出版 （中/英） Bilingual publication (Chinese/English)

　　有别于市场上常见的旅游指南，《一点北京》这份刊物将带随旅者前往一次别开生面的旅程。为了促使更轻便的游走，为了留下更深刻的回忆，《一点北京》的设计脱离了一般沉重指南的形式（版式／格式），并且给予旅者更具灵活性的发挥空间。
　　附加彩色路线的北京地图和行程表清楚描绘了七天的旅程。明信片以最简短的文字，鲜明的照片和详细的地址让人一目了然。一天的行程，最多只需携带十张明信片。 每去一个地方，就在背面做笔记后寄回给自己。回国后，将一一收回贴上当地邮票和盖上邮戳的旅程记录。当然，旅者也可以潇洒地任凭挑选一张明信片，想去哪儿 就去哪儿。
　　《一点北京》获得了国际红点大奖 2008/2009并在 2009法兰克福书展中展出 。

《一点心意》

1 笔记本 Notebook + 12 明信片 Postcards
双语出版 （中/英） Bilingual publication (Chinese/English)

　　出自内心的，往往很简单。象是鼓励的一句话语 / 善意的一个举动 / 明信片背后的一本故事 / 握在手里的一点心意。
　　这是一个保险经纪的故事；他的遭遇和他所碰到的人。
　　如果什么都有可能，他们要为什么买保险？

　　这个创作，是特别为忙碌的都市人所制作的。大家在面对问题的时候，都应该往积极的方向前进。希望明信片和笔记本中简短的故事篇章能带读者走进另一个国度抑或另一个人的内心世界；看另一种风景，换另一种处事心态。

行走中的影像，来自澳大利亚摄影师 Heiko Waechter ，拍摄于墨尔本街头。

无论构图还是色彩，德国摄影师 Matthias Heiderich 的照片仿佛是阳光明媚，安静的梦境场景。摄影师使用设备：PENTAX K20D 曝光时间：1/350s 曝光程序：手动 ISO值：100

跟随视觉设计网站 Yatzer 对中国艺术家刘勃麟的独家访谈，探讨与了解他的作品 ‘Hiding in the City’ 背后的想法。艺术家以他自己独特的艺术表现形式反映当代中国社会的快速发展，以及它更深层的意义。

以下文字转贴自 Yatzer

您创作的最初的源泉是什么？最初是怎么出现这个想法的？
答：在研究生毕业以后我经历了一段没有工作，没有家庭，没有关爱。没有收入，没有感情的四年，我在这几年里我感觉自己就像是被社会抛弃一样，没有社会里的位置。我在环境里可有可无。这是我情感的内因。导火索是2005年11月16日当时号称亚洲最大的艺术家聚居地索家村国际艺术营被城管强行拆除。我作为在场的艺术家，开始做了一系列城市迷彩作品，用来表达对政府暴行的反抗。我用我的行为作品来表现艺术家的不受保护的地位和艺术创作的恶劣环境。

你为什么选择这些城市的场景作为您作品的背景？对您有什么特酥的意义吗？
答：在我们有着共产主义理想的中国社会，在他的逻辑里必须要有一些大字出现，来告诉和清洗大众的大脑。我们需要的人是什么样子。比如：墙体上会有统一思想，宣传教育这样的大字，这其实就是来愚弄大众的方法， 最终的得益者是确定这些标语的人。我的身体选择这样的墙面做隐身和被消失，这时候不是我和背景墙的关系，其实是我作为个体和这些以愚弄大众的标语的关系。在中国我们对这样的口号大都见怪不怪习以为常，我想用我的作品提示人们多考虑自己生活的环境。

您选择这些场景之前有什么特殊的筛选过程吗？
答：我的作品在某一方面在记录中国的社会发展历程。因为在文革期间的一些标语以及习惯到现在我们还是在沿用。对中国社会问题的思考是我的作品的关注点，我其实在询问：我们的社会怎么会发展这样？我们以后该如何反思我们现在面对的社会？我们的问题在哪里？我们的社会该往哪里去？

您如何感受把自己当作一张空白的画布？
答：在实施作品的时候采取不动的姿势，我有助手来帮我完成在身体上的彩绘，他们会尽力帮我把我的身体画的的背景是一样的颜色。最后由照相机记录下来。我是靠坚强的意志来让自己坚持的。在做城市迷彩作品的先期，我其实很享受这种过程，对自己命运的抗争或许在那一刻凝结在我必须站立住、必须坚持的信念里了。

您为何选用用摄影然后出片这种形式来表达您的艺术想法？
答：我的这样的艺术形式在行为过程录其实没有太多的观赏性，就是努力把身体上画的和背景一样，如果说有艺术感染力的话，最后拍完的效果才是最好的最有说明性的作品，所以由最后的照片作为作品的呈现方式也就是顺理成章的了。

您每一次拍照需要多久的时间？在您自己的身上画画需要多久？另外，在创造一个作品的时候，您大概需要多少外介的帮助？
答：我的作品从开始到最后结束，一般会持续3-4个小时，画画的工作都是由助手完成的，还有最后的拍摄也是由助手完成的，我的工作就是站在那里一动不动。很多人会有这样的疑问:画画不是你，拍照片也不是你，那怎么会是你的作品呢？我的工作是要挑选有意义背景，和选择由那个助手来帮我画画和拍摄。我一般在拍城市迷彩作品之前，我会先选择几个备选的地点，然后再选择最合适以一个作为实际拍摄的背景。到实际拍摄的时候，我的任务就是站在那里尽量不动，其余的都是有我的助手来完成，比如像涂色和摄像以及最后的摄影，都是助手完成。会在其中指导他们尽快尽好的完成。在开始之前，我会先拍一张我站在这里的照片，和助手分析哪里是重要部分，哪里要首先完成。再就是在调颜色的同时尽量要调的颜色和我身后的颜色尽量一致。最来就是一笔笔的涂色了，要把身体上面画的和背景一样，很重要的就是身体两侧的线要和背景一样。

您通过您的作品想表达什么讯息？
答：在我认知的是世界中，人是单个的人，同时也是脆弱的个体。因为一个人不能决定自己出生在什么位置，不能决定自己呼吸什么样的空气，也不能决定自己受到什么样的教育和熏陶，大脑里什么是你自己的呢？好像你再争论时有自己的观点。其实你的观点也不是你自己的，也是别人拷贝给你的。其实人生来就是被复制过程里的个体。人作为个体很容易收到外界环境的影响。在我的作品中所呈现出的人的无助感或者说疏离感，其实都是来自一个人的不能独立的思考和不能把握自己的命运带来的。我的作品其实都是在探讨这方面的问题：人如何才能找到真正的自己？

您觉得您是一个具有政治意味的艺术家吗？
答：首先，我的作品里含有强烈的政治成分我必须解释一下，应该这样说：因为我生活的环境里充满的政治的因素，才导致我的作品里才含有政治的成分，因为我是生活在这样的空气中的，所以在我的作品里才会有这样的方式来呈现。 我同意你的—-艺术可以对社会的变化起积极作用的说法，因为艺术作品在现今的时代的主要的气质是：通过作品的反思和疑虑来提示人类，让人们更清醒的认识到自己身处的化境和面临的问题。我也是通过作品来提示周围的人，我想让观众思考：我们生活的环境是什么？ 在我的作品里在一开始就伴随这艺术家工作被强行拆除开始的，在一开始我的作品的内在的怀疑社会、对命运抗争的因素起到了关键的作用。决定了这一系列作品的反叛的气质。后来作品里出现的标语，一家人，拆迁，红旗等等因素都是这种脉络的延续。

您如何看待中国今天的崛起，发展？
答：中国的发展经济的复苏为中国赢得了国际的认可，也慢慢吸引了国际这回的重视。但是我们的发展也是有很多不如意的地方，比如贫富分化严重，环境生态破坏严重，人们盲目拜金等等社会问题，但不管怎么样，中国是在发展了，存在问题也是情理中的，我们艺术作品里表现的反思和疑虑也是在想让社会发展的更合理，更开放。

作为一个中国的艺术家，您觉得您面临的最大的挑战是什么？
答：在中国选择作为艺术家，等于选择了苦痛和寂寞。作为艺术家的身份，在社会上是没有你的位置的，你必须面对一无所有的处境。在中国在行为艺术作品有时候没有办法的选择。因为你除了身体，你什么也没有。身体是你最后的一张牌。所以我必须更有毅力的做我的作品。

当您拍摄您作品的时候， 路人看见了，他们的反应是什么？
答：非常好奇，他们开始都不会太理解我在做什么，但，经过观察和交流后，他们都是慢慢理解我的艺术作品，这也是社会大众开始接受当代艺术的开始。

您觉得让中国艺术家受到国际上的注意和认可是否很难？
答：这是一个很大的问题，在中国当代艺术开始之初，还是以模仿和借鉴国外为主，但随着对本国问题的关注，已经有慢慢成熟的感觉。我觉得有三点，这要做到了就会得到国际社会的认可。一，立足中中国的社会生活，现在的生活基本没有国内外之分。二是立足当代的社会思考，把反思社会当做自己的责任。三，忘记所谓的传统，因为尊重传统必定会束缚人的思考。

2011年6月，在纽约的 Eli Klein Fine 美术馆 将举办刘勃麟个展。

城市就是一座大游乐场，英国摄影师 Matt Mawson – Coney Island NYC

把喧嚣变为安静，奥地利摄影师 Oliver Wutscher 作品。

via

澳大利亚摄影师 Jonathan van der Knaap 作品。

更多 Jonathan van der Knaap 的照片

美国摄影师 Navid Baraty 作品 – Japan，拍摄于东京，京都，镰仓和长野。
Navid 完全是个自学成才的摄影师，热爱旅游摄影，他的作品曾发表在国家地理等刊物，并且被用于新西兰惠灵顿国际机场的大型装置中。